Italia
La obra de misericordia corporal “enterrar a los muertos” vista a través de las pinturas de algunos artistas.
“Entierro en Ornans” de Courbet
Es un entierro lo que nos muestra Courbet, pintor francés en abierta ruptura con la tradición académica idealista de su época, en su monumental lienzo (6 m x 3 m) de 1849, conservado en el Museo de Orsay.
Así comienza habitualmente la sepultura de un difunto y Courbet (1819-1877), para llevarla a cabo, retrató a medio centenar de personas de su pueblo natal en Ornans, intentando captar las diversas actitudes que suelen acompañar a quienes asisten a las exequias fúnebres.
Aquí se congregan personas comunes, como el propio difunto cuyo ataúd apenas se percibe bajo un paño blanco, junto a una fosa abierta con una calavera y el crucifijo que preside con timidez a la concurrencia. Los colores son terrosos, oscuros y densos; la luz difusa e indefinida realza la presencia física de los personajes dispuestos en una franja horizontal, bajo un celaje gris verdoso cubierto por una leve pátina amarillenta.
Considerado el impulsor del realismo, Courbet recibió duras críticas, especialmente por este cuadro, calificado como un tributo a la vulgaridad y la fealdad al contraponerse de raíz a los cánones del clasicismo y del romanticismo.
Además, nos expone la realidad sin artificios ni disfraces, en abierto conflicto con la compostura burguesa del momento, restando solemnidad artificial al rito.
En efecto, Courbet se adentra en la psicología colectiva y, tal como sucede hoy en día, capta los comentarios triviales de unos, la indiferencia ante el pesar ajeno, las miradas curiosas hacia los demás y la presencia por mera conveniencia social.
Ajenos a la trascendencia del instante, los monaguillos piden explicaciones o muestran desinterés, igual que el sacerdote que oficia la ceremonia con gesto distante.
En medio de la multitud congregada ante un paisaje austero, destacan los clérigos ataviados de rojo encendido, las ropas enlutadas, las cofias blancas de las mujeres y un perro callejero que se aproxima al grupo, reflejando el verismo directo de un hecho humano común.
“La sepultura de Cristo”, más conocida como Llanto sobre el cuerpo de Cristo muerto, de Rubens
De una vibración espiritual enteramente distinta es el “sepelio del cuerpo de Cristo” realizado entre 1602 y 1606 por el maestro flamenco Peter Paul Rubens (1577-1640), conservado en la Galería Borghese.
También en este lienzo el autor efectúa una rigurosa aproximación psicológica a las figuras, las cuales expresan una honda conmoción ante el suceso, invitando al espectador a experimentar la gravedad de la muerte.
Rubens admiró profundamente la obra de Caravaggio sobre este pasaje y, un año después de la muerte del pintor italiano en 1610, ofreció su propia interpretación en Amberes, lejos del cuadro original.
Hijo de protestantes, abrazó el catolicismo a los 14 años, se formó en talleres flamencos y fue admitido como maestro en el Gremio de San Lucas de Amberes. Pronto recibió encargos de gran relieve de las cortes de Francia, España e Italia, falleciendo finalmente en Amberes.
En esta obra, Rubens dispone un gran arco en sombra en la parte superior, emblema de la muerte, y concibe a Cristo como un cuerpo humano pesado que es depositado en el sepulcro con esfuerzo palpable.
Sosteniéndolo se encuentra el joven san Juan, que al mismo tiempo conforta a la Virgen María; desolada, ella alza la mirada al cielo como pidiendo amparo para consumar una acción tan penosa como dolorosa. Cristo, intensamente iluminado, evidencia las marcas del martirio, mientras que el hombre anciano a la derecha parece ser Nicodemo con los rasgos de san Felipe Neri.
Con el ceño fruncido, este último parece manifestar las dificultades prácticas y la pesadumbre del entierro.
La luz incide de lleno en el rostro sereno de Cristo y en María Magdalena, compungida en una postura desgarradora que evoca su pasado, dejando a los demás personajes en penumbra para acentuar el dramatismo y salvaguardar la intimidad del dolor compartido.
Todo el dramatismo se atenúa con tonalidades cálidas que contrastan con fondos sombríos, frente a la blancura del sudario y de la carne de Cristo, recreando este pasaje con conmovedora cercanía.
“Bendición de los muertos del mar” de Lorenzo Viani
Dar sepultura a los difuntos es una obra exigente y, particularmente en estos tiempos, con frecuencia es el mar el que asume esta dura tarea. Cuántas veces hemos conocido el destino de estas víctimas de las aguas: pescadores o migrantes.
Lorenzo Viani, renombrado artista contemporáneo de Viareggio, reflexionó sobre esta realidad dejándonos una creación sumamente elocuente: “Bendición de los muertos del mar” (1914-16), custodiada en el museo de Viareggio.
El centro de la escena es el duelo de las mujeres que aguardan en resignada entereza mientras abrazan a sus hijos ya huérfanos. El negro rotundo de sus ropas resalta rostros convertidos en máscaras de aflicción, entre los cuales despunta una faz dulce y juvenil que recuerda a la Virgen.
Siluetas oscuras ante un mar gris plomizo, apenas surcado por pequeñas crestas blancas, mujeres que esperaron con fe desgranando el rosario por el regreso de seres queridos a quienes no volverán a ver.
Las tradiciones sostenidas en la fe, marcadas por el paso inexorable del tiempo, quedan plasmadas por el autor a través de un cromatismo vigoroso, planos sintéticos y una estructura rigurosamente geométrica.
La tragedia, la angustia de la espera, el entrelazamiento de las manos y el abrigo a los huérfanos resignados ante el destino generan una emoción sobrecogedora.
Viani escribe: “también el mar, cementerio infinito, fue bendecido esta mañana al alba… Las familias de los desaparecidos se reúnen en torno a la ermita… el sacerdote alza el brazo y la bendición llovizna sobre el mar de plomo”. Imágenes y palabras sintetizan la hondura de esta obra de misericordia corporal, invitando a la reflexión común.
Imagen de portada: Wikipedia
